Iran, Central Asia & Anatolia

(2 CDs)

Collection, Recording and accompanying notes:
Jean During

Coll. Mahoor Institute of Culture and Art

“The Dotar as a musical system

The Dotar is a long necked lute of the tanbur family, generally with two strings (in Persian, do tar) widespread from Kurdistan to Xinjiang.
These two CDs, devoted to this instrument, show how by starting from the very simple concept of a lute with two strings struck or scraped by the fingers of the right hand, each relevant culture has created its own instrument, with its specific sonority, its style and its technique. According to an Iranian master, one of the differences between his music and that of the West is that the perfection of sophistication must concentrate on the subject or the agent - i.e. on the playing technique - and not on the object, i.e. the instrument. Thus the traditional instruments remain simple, while the manner of playing them is highly sophisticated. The case of the reed flute, ney, is well-known; that of the dotar is even more outstanding because of the complexity of its playing and the diversity of the approaches. From the organological point of view, many long necked lutes belong to the dotar family (Turkish saz, Greek buzuki, etc), but from the practical point of view, the dotars are distinguished radically from the other lutes by the playing technique of the right hand: the strings are struck (and sometimes plucked) with several fingers, and not with only one finger (Persian setar) or with a plectrum (Arabic tanbur) or a thimble-pick (new Afghan dotar, Uzbek tanbur). The various manners of striking the strings with fingers are especially developed on two-string lutes. On these lutes, it can be supposed that sometimes one string has been doubled later (Baluchi tanburag, Kurdish tanbur), or a third string has been added (Turkish Üteli, Kyrgyz komuz). With some exceptions, one can place in the same category the lutes with two strings and those whose three strings are generally struck together, by only one gesture.
This double CD takes into account only this family of instruments. If their sonority is often very close - and it would be still more if steel had not replaced the gut or silk - the way of playing and mainly the fingering of the right hand are as varied as the musical traditions these lutes belong to. Attentive observation reveals how a musical tradition is conditioned by the technique and the gesture that generate it. If the mind is able to conceive forms ad infinitum, the hand also - and sometimes it seems in an autonomous way - takes part fully in this noble activity.
By its system of fingering, the dotar allows infinite rhythmic effects, while the systematic striking of two strings at the same time makes it possible to diversify the weight and the color of each note, so that the airs grow rich on both rhythmic and melodic levels. Indeed, if the drone g remains stable, the notes of the first string generate a bi-phony on each fret: g-c, g-d, g-e, g-f, g-g, etc., with various nuances of consonance (octave, fifth, sixth, diminished fifth, etc). Moreover, in the Turkish playing style, the left thumb is used on the second string to vary the drone’s pitch, which lightens each note in various possible ways. Thus on the fret F, one can produce five different basses: g-F, a-F, b(flat)-F, c-F, d-F. This aesthetic feature is typical of the Turkmens, Qaraqalpaks, and also of the Kazakhs and (in another way) the Kyrgyzs. It can be found also in the dotar of Eastern Khorasan and that of Kurdistan, but seldom elsewhere”.

Pour commander en ligne sur le site Mahoor:
http://www.mahoor.com/cd/Folk-Music-Original/Dotar-665.aspx

Opportunities have arisen for research leading to a PhD linked to an EU project creating a cultural tourism product around the intangible cultural heritage of several districts within the Indian state of West Bengal.

The project is being conducted jointly by the Kalkota based NGO Banglanatak.com and the Culture, Tourism and Development group of London Metropolitan Business School, and will cover a fee waiver equivalent to 4 years’ part-time registration at the home and EU students rate, plus all field work expenses for up to two extended pieces of fieldwork in India during 2010 and 2011.

Deadline for receiving applications is 1st April 2010

For further information, please contact:

Jonathan Karkut: j.karkut (at) londonmet.ac.uk

Julie Scott: j.scott (at) londonmet.ac.uk

The forum on Romani/Gypsy studies (FTF) invites all (junior) researchers and interested people, who have to do with Gypsy cultures, to some “networking” in Leipzig.

Interdisciplinary exchange and networking between researchers, who deal with gypsy cultures on a regional or a topic-oriented basis, are central to the meeting.

In this respect, the main interest lies in lectures related to ethnology, regional sciences, history, linguistics and sociology.

We would like to especially encourage those students or graduates to contribute to the meeting, whose final papers were or will be linked to the field of Romani/Gypsy studies.

The main focus of this year’s workshop is on the following topics:

a) South America
b) Gypsy groups in the Orient and around its fringes
c) “polictical” Romani/Gypsy studies
d) Sinti, Yeniche and other groups in Europe beyond the Romani discourse
e) historical and enthno-historical Romani/Gypsy studies

All other topics, which are proposed during the preparation of the workshop by people interested in taking part in the workshop, will form separate subject areas.
The language of the workshop is German.
However, lectures can also be held in English, French, Spanish, Arabic, Persian or Romani.

After the events and the common dinners, the days are rounded off in a relaxed atmosphere with the latest musical or cinematic contributions.

The participation fee is about €10 (without liability). Travel expenses will not be compensated. In special cases of hardship, people with financial difficulties can be supported by the University of Leipzig or the student council.

For the duration of the workshop, it is possible for participants to stay with other participants living in Leipzig.

Participants who would like to give a short presentation on their work or give a theoretical and methodical, a practice oriented or any other lecture, are asked to hand in a summary of not more than one page by February 21st, 2010.
All other participants can register for the workshop and name their field of interest until March 28th, 2010.

Registrations for the workshop and questions are to be sent to: ftf(at)uni-leipzig.de

The current programme and the 1st and 2nd FTF workshops “Netzwerken” 2008 and 2009 can be found at:

http://www.uni-leipzig.de/~ftf/projekte/workshops.html

15th International Meeting of CHIME

(The European Foundation for Chinese Music Research)

24 to 28 November 2010, Basel, Switzerland

The music of China and East Asia: Theory versus Practice

How does musical theory in China and East Asia differ from musical theory elsewhere in the world? What are its unique contributions to culture and to musical performance? How can we meaningfully integrate theory and practice in the (many) cases where theory and performance practice clash? These questions form the theme of the 15th International CHIME meeting, to be held in Basel from 24 to 28 November 2010 in conjunction with the Swiss festival Culturescapes.

CHIME is a worldwide network of scholars and afficionados of Chinese and East Asian music. The annual meetings are open to interested scholars and students in the realms of musicology, ethnomusicology, popular culture, anthropology, and East Asian languages, cultures and religion, but also to anyone else with a professional or private passion for Chinese and East Asian music. The official language of the meeting is English. (Presentations in Chinese and in other languages can be accepted if speakers provide a written translation of their presentation in English in advance.)

For the Basel 2010 edition of CHIME, scholarly proposals for individual papers, panels and poster presentations are welcomed. Abstracts of up to 300 words for individual (20-minute) papers and for posters should be sent by e-mail to the Dutch main office of the CHIME Foundation, c/o Programme Committee of the 15th CHIME Meeting, P.O.Box 11092, 2301 EB Leiden, The Netherlands, e-mail address: chime(at)wxs.nl. In the case of panel proposals we ask for a short description of the panel topic as well as for individual abstracts by the panel participants. Abstracts must have reached us by 15 May 2010. Possibilities exist for early acceptance of papers for those who need to rely on this for grant applications. As always, we look forward to a lively meeting, including various recitals and concerts of tradtional Chinese music. More news on the meeting and on possibilities for pre-registration can be found on the CHIME website at http://home.wxs.nl/~chime

Dimanche 7 mars 2010 de 11:00 à 14:00

Découvrez le dotâr iranien autour d’un brunch…

Ce premier brunch, nouveau rendez mensuel d’ethnomusiKa, sera consacré au Dotâr iranien et sa musique, et présenté par Farrokh Vahabzadeh, ethnomusicologue. Le dotariste Bashir Faramarzi nous fera l’honneur de nous initier à son répertoire.

Venez découvrir cet instrument traditionnel à travers une exposition, une conférence, une session musicale et une projection.

Entrée libre.  Brunch aux alentours de 5 euros (assiette de mezzeh oriental)

Farrokh Vahabzadeh

Bashir Faramarzi

La Péniche ANAKO est amarrée à Paris :

Bassin de la Villette
face au 61, quai de la Seine
75019 PARIS
Métro : Riquet, Stalingrad ou Jaurès
		

“Le dotâr et sa musique”

Le dotâr (dutar, dutôr) est un luth à manche long et à deux cordes. Son nom vient du persan ; do désigne le chiffre deux et târ signifie la corde. On trouve sa trace dans les anciens traités iraniens de musique, sous le nom de tanbur.
Fârâbî (Xe siècle) dans son grand traité sur la musique et les instruments de la musique de son époque décrit deux variantes de tanbur, appartenant respectivement à la région de Bagdad et du Khorâssân.
De nos jours, le dotâr se joue dans une vaste zone géographique, depuis la province du Khorâssân en Iran jusqu’au Xinjiang au nord de la chine en passant par des pays d’Asie centrale. Dans certains endroits, l’instrument a des aspects ou caractéristiques différents et il change même parfois de nom. Cependant le principe reste toujours le même.
Traditionnellement, la table d’harmonie et la caisse de la résonance sont en bois de mûrier. Le manche est souvent fabriqué en bois dur comme l’abricotier.

Figure 1) Quelques dotâr, issus de la région de l’est du Khorâssân iranien

Les deux cordes de l’instrument peuvent être en boyau, en soie (le dotâr de la Transoxiane) ou en acier (les dotârs turkmène et khorâssânais). Elles sont accordées en quinte, quarte, parfois à l’unisson ou à l’octave. L’instrument possède, selon les régions, de huit à quatorze ligatures, proposant des échelles musicales parfois différentes d’un endroit à l’autre.

Dans la fabrication du dotâr, l’arbre mûrier a une importance capitale. Considéré dans certaines régions comme l’arbre sacré, le mûrier offre, selon les luthiers du Khorâssân, ses fruits délicieux aux hommes, ses feuilles au verre de la soie (utilisées pour la fabrication des cordes) et son tronc pour la fabrication du dotâr.

Figure 2) Hossein SAMANDARI, maître du dotâr de l’est du Khorâssân

Généralement interprété en solo, le dotâr accompagne parfois le chant, notamment les chansons populaires (en persan, turc ou kurde), les poèmes épiques et les musiques festives, aussi bien que les répertoires canoniques (comme le Shashmaqam tadjiko-ouzbèke). Il est l’instrument par excellence des bakhshi, les bardes musiciens-chanteurs, autrefois des chamanes guérisseurs de la région. La tradition des bakhshi a ses racines dans les cultes chamaniques des périodes pré-islamiques en Asie centrale.
Farrokh VAHABZADEH

Pour en savoir plus :

- Le CD Asie Centrale : Les maîtres du dotâr , VDE-GALLO 1993.
- Extrait vidéo + Hommage à Haj Ghorban Soleymani

Envisageant l’importance de la musique et des pratiques musicales dans l’organisation des sociétés, elle entend questionner la manière dont celles-ci les pensent, les instituent et les mettent en scène. Elle veut ainsi se faire l’écho de l’ouverture de la musicologie aux autres disciplines des sciences sociales, tout en encourageant ces dernières à s’intéresser à l’objet musical.

Veuillez trouver, ci dessous, le premier appel à contribution de cette revue, sur le thème « Polyphonie et société ».

Plus d’informations sur le site musique.ehess.fr :

http://musique.ehess.fr/sommaire.php?id=459

Polyphonie et société

Appel à contribution – Transposition. Musique et sciences sociales.

La polyphonie est une pratique musicale caractérisée par une double exigence : la recherche d’autonomie des voix et le maintien de leur interdépendance étroite. Elle s’oppose ainsi à la monodie ou à la mélodie accompagnée. L’apparition et l’évolution de ce procédé musical dans diverses aires culturelles mondiales sont des phénomènes qui intéressent de manière directe les différents courants de la musicologie. Ainsi, par sa pluralité, la polyphonie semble nous renseigner sur une façon de penser la musique et l’individu au sein d’une société. Elle implique également, pour ceux qui la pratiquent comme pour ceux qui l’écoutent, une attention particulière : maîtriser les règles musicales qui la régissent (à une période et dans une zone géographique précises) ; savoir jouer ensemble sans que la mélodie principale soit seule directrice ; apprendre à l’entendre. La polyphonie renvoie, notamment pour les musiciens occidentaux, à une longue tradition dont l’origine remonte au IXe siècle et qui depuis lors n’a cessé d’être remodelée dans ses normes pratiques, compositionnelles et esthétiques. Il s’agit donc d’un héritage culturel fort, esquissant un réseau d’influences à travers le temps.

A partir d’une signification commune, la notion de polyphonie peut recouvrir une grande diversité d’acceptions. Il s’agit de jouer ensemble, de former, ou de composer une certaine harmonie. La polyphonie s’étendrait ainsi non seulement à la pratique instrumentale, mais encore à la représentation métaphorique d’un équilibre au sein d’une ville ou d’une société dans la cohabitation des différents groupes et individualités qui la composent.

Dans le cadre de son premier numéro, la revue Transposition : musique et sciences sociales compte interroger la relation qu’une société peut entretenir avec la polyphonie. Pour ce faire, elle privilégiera des propositions venues de l’ensemble des disciplines des sciences humaines et sociales. Certaines approches peuvent d’ores et déjà être proposées :

1. Approches historiques, philosophiques et sociales : origine et évolution de la polyphonie. En quoi ces phénomènes musicaux nous renseignent-ils sur les sociétés qui les produisent ?

2. Exemples de traitements polyphoniques. Comment les productions d’un compositeur, d’une école de composition ou d’un genre musical font-elles évoluer la façon de penser la polyphonie et apparaissent ainsi comme le reflet de leur temps ?

3. Polyphonie et technique interprétative. Comment s’organise la pratique polyphonique ? Quels sont, par exemple, les moyens utilisés par les musiciens pour se repérer dans l’œuvre s’ils ne sont pas guidés par une mélodie principale ? Ce système favorise-t-il l’émergence d’un chef chargé de rendre cohérente la globalité de l’exécution ?

4. Quelle est la place de la polyphonie aujourd’hui dans la musique contemporaine ou les musiques actuelles ? On pourra notamment s’intéresser à la question de la survivance de polyphonie dans ces musiques et se pencher sur l’évolution de la définition du terme « polyphonie » pour décrire les musiques d’aujourd’hui.

5. La polyphonie comme métaphore de la vie musicale. A l’échelle d’un orchestre ou d’un espace précis, l’activité musicale peut être perçue comme « polyphonique » : en équilibre, toujours précaire, entre la recherche d’autonomie des voix et l’exigence de leur interdépendance. L’identité musicale d’une ville peut ainsi, par exemple, être liée à sa capacité à faire coexister en son sein des représentations musicales diamétralement opposées. Quels sont alors les éléments qui permettent aux acteurs de cette vie musicale de concevoir ces ensembles disparates comme une entité cohérente ?

6. Représentations de la polyphonie. La polyphonie, comme toute forme musicale, prend vie dans des lieux ou espaces. Ceux-ci peuvent lui être dédiés ou concorder, par leurs éléments architecturaux ou plastiques, avec certains aspects de ce procédé musical. Peut-on établir des relations d’interdépendance entre ces différentes représentations de la polyphonie ? Comment, dans l’ensemble des arts plastiques et littéraires, représenter la polyphonie sans support musical ?

7. Transposition du terme « polyphonie » dans le champ social. Il s’agira ici de questionner l’usage – par des acteurs ou des chercheurs – de termes ayant trait à la polyphonie (en tant que système musical) pour analyser des phénomènes sociaux divers.

Les textes, conformes aux normes exigées par la revue (http://musique.ehess.fr/sommaire.php?id=461), devront être adressés au comité de rédaction de Transposition avant le 15 juin 2010 à cette adresse :transposition.submission (at) gmail.com

Les motions anti-maquettes et/ou anti-masterisation toujours mises à jour : http://www.sauvonsluniversite.com/spip.php?article2849

Le calendrier du mois de mars est mis en place, à la suite de cette dernière semaine de février : http://www.sauvonsluniversite.com/spip.php?article3289

Pour les jeunes chercheurs, les /Doctoriales Musique-Musicologie/ constituent donc une occasion importante :
- de prendre connaissance des travaux menés parallèlement aux leurs
- de bénéficier d’un regard critique sur leurs propres recherches
- de s’exercer à la présentation et à la diffusion scientifique de leurs travaux

Les doctorants qui souhaitent intervenir lors de ces journées (nous insistons sur le fait qu’il ne s’agit en aucun cas de préparer des /communications/ sur des points précis, mais bien de présenter un état général de ses travaux en cours : sujet, problématique, corpus, méthodologies, etc.) doivent remplir le formulaire ci-joint (ou téléchargeable depuis la page http://www.bjc-omf.paris-sorbonne.fr/Pages%20Web%20rang%201/doctoriales.html) et nous l’envoyer à l’adresse bjc-omf (at ) paris-sorbonne.fr
. La date limite d’inscription a été repoussée au *28 février 2010*.